소리꾼이자 배우이기도 한 이자람의 ‘사천가’를 관람할 때였다. 자막 없이 구수한 전라도 사투리로 이어지는 판소리에 넋이 나간 듯 빠져들어 있는 외국인 관객이 눈에 띄었다. 우리말을 할 줄 아는 것도 아니었다. 물론 원작인 브레히트의 희곡 ‘사천의 선인’을 알고 있기 때문인지도 모르겠지만 재미를 느끼는 이유가 말의 의미 때문은 아닌 것 같았다. 그러고 보면 의사소통을 하는 데 있어 기호로서 말이 차지하는 역할은 생각보다 그리 크지 않은 것 같다. 특히 공연 무대에서는 장르를 불문하고 언어 이외의 다양한 방법으로 공감대를 형성하곤 한다.

필립 드쿠플레의 DCA 무용단은 위트 있는 내용과 다양한 장르가 결합된 복합적인 양식으로 흥미를 유발한다.

프랑스의 현대무용 안무가 겸 연출가인 필립 드쿠플레가 이끄는 데세아(DCA) 무용단은 연극, 서커스, 미디어아트 등이 융합된 공연을 선보여 왔다. 이들을 처음 알게 된 것이 1999년 세종문화회관에서였는데 위트 있는 내용과 복합적인 공연 양식에 신선한 충격을 받았었다. 워낙 ‘드쿠플레스러운(Decoufleries)’이라는 신조어를 만들어낼 정도로 독창성을 인정받은 무용단이었으니. 지난주에 내한하여 공연한 ‘파노라마’는 지난 30년간 공연들의 주요 장면들을 발췌하여 재구성한 작품이다.

사실 이 무용단의 공연이 관객들에게 좀 더 친밀하게 와 닿을 수 있는 것은 약간의 해설 덕분이기도 하다. 이들 공연에서는 연극에서처럼 해설자가 등장하여 각 장면의 테마와 연관하여 힌트가 될 만한 멘트를 던지곤 한다. 그러나 해설자가 주제를 알려주려고 들거나 동작을 설명하지는 않다. 흥미로운 것은 해외 공연에서도 자막을 전연 쓰지 않는다는 점이다. 대신 그 나라의 배우가 간단한 동작도 곁들이며 의미를 전달해 준다.

한편, 연극이나 오페라 무대에서 다양한 언어가 혼재되기도 한다. 살아 있는 거장 연출가인 피터 브룩은 다국적 배우들과 함께 실험적인 연극을 만들었다. 그의 공연에서는 종종 서로 다른 국적의 배우들이 자신들의 모국어를 무대 위에서 그대로 사용하며 대화했다. 서로 다른 언어를 쓰는 배우들이 모였을 때 발생하는 문화적인 풍요로움에 주목했기 때문이다. 국내에서도 2012년에 오페라 ‘마술 피리’를 다양한 언어를 쓰는 배우들을 통해 선보였다. 대사는 프랑스어로, 노래는 독일어로 공연했다. 물론 관객의 이해를 돕기 위해 자막을 쓰긴 했다.

그런가 하면, 줄리 테이머 연출로 일본의 ‘사이토 키넨 페스티벌’에서 공연된 그리스 비극 ‘오이디푸스’는 라틴어 가사와 일본어 해설로 공연이 되었다. 개인적으로 이 작품을 DVD로 보았는데, 자막이 영어여서 결과적으로 한 공연에서 세 개의 언어를 접했던 기억이 난다. 중요한 것은 대사나 가사보다 음악과 스펙터클로 원작의 비극적 감성을 전했다는 점이다.

연극 인류학자인 유제니오 바르바는 연극의 가장 중요한 요소를 희곡이 아닌 ‘배우’의 에너지에서 찾았다. 공감대를 형성하고 감동을 주는 데 있어서 언어는 일부 역할만을 할 뿐이다. 무대와 관객이 호흡을 하게 만드는 것은 논리적인 언어보다 다양한 방법으로 공연장을 채우는 에너지일 것이다. 말의 감옥에 갇히기보다 마음을 열고 느껴 보면 그 이면의 진정성을 공유할 수 있지 않을까?

현수정 공연평론가·중앙대 연극학과 객원교수

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